省略や再構成は効果的に

風景画を描くことは、現実そのままに描くことではない。現実通りなら写真で十分。最近は写真をパソコンやスマホで自由に加工もできるから、素人でもちょっとコツを飲み込めば「インスタ映え」する写真を作ることは可能だ。
こんなにテクノロジーが発達しているのに、それでもアナログな手法で絵を描く。しかも描き手の想像力・創造力から生れ出たファンタジーや抽象画やイラストではなく、愚直に絵具と筆で風景画を描く。うーん、何でだろう？(笑)

そんな根本的な問題はさておき、風景写真との違いは、絵は自由に切ったり張ったりできること。色も自由に変更できるし、筆致や絵具の濃さなどでさまざまな表現が楽しめる。
私も木々が邪魔で描きたいものが見えないときは少し位置をずらしたり、変に空間があいてしまう時は何かしら描き加えたりする。もちろん下手にやると作為的になってしまうので、不自然にならないよう考える。

メイン（主題）を決める

「絵も定食と同じでメインがあって、副菜や汁物のようなサブメニューは手を入れすぎない」とは高校時代の恩師の教え。
一番描きたいものにはしっかりと手を入れ、周りはぼかしたり薄くしたり、見る人に何を描きたいのか伝わるように表現方法を変える。ファインダーを覗いてどこにピントを合わせるかを決める写真も同じだと思う。

色も自由に変更して構わない。例えば金閣寺を派手なピンクに塗ったら宗教施設なだけにちょっと不謹慎な気さえするが、そもそも金色を再現するために黄色系絵具を駆使するだろう。影の部分を青や紫がかったグレーで表現する人も多いはず。川の流れを表現するのに、本来透明なはずの水に水色を使う。そう考えると絵を描くときは誰でも自然に色を変更して描いていることになる。
色を自由に選ぶのであれば、全体としてまとまりのある系統の色を使うのがいいだろう。時には反対色を並べて目立つようにすることもあるし、同系色でまとめることもあるだろう。
何しろ、絵は自由なのだから。アートイズフリー！

有名スポットを描くのも勇気がいる…？

私は油絵をやっていた高校生の頃から風景画を描くのが好きだ。
人物や静物、イマジネーションを働かせたイラストなど、水彩画にもいろいろあるけれど、なぜか風景画が一番好きだ。
中でも建物を描くことから私の水彩風景画は始まった。教会や寺院など有名な観光スポットを描くことも多い。観光も兼ねて、スケッチや取材に行くのも楽しい。だが、観光スポットで記念撮影をする時のような風景を絵にするのは少々難しい。人が多すぎることや、ありきたりな構図なら写真で十分だからだ。

風景画の場合は、展覧会で絵を見た人がすぐにどこか分かる、よく知られた場所であることがお客様を惹きつける理由の一つであったりする。もちろん絵として美しいことは言うまでもないが。ただ有名な建物の場合、ちょっとした歪みや色など現物との違いまで見抜かれやすい。寺社や城は経験上、細部まで正確に描くのは非常に根気がいるので、どーんと画面の中央に描くのはビギナーにはハードルが高い気がする。その場合は建物全体を描かずに、近くに生えている木々とともに一部分を切り取った絵にするのもひとつの手だろう。

構図が大事

風景画でまず大切なのは構図だと思う。
風景の切り取り方は描き手によって様々だ。私は油絵をやっていた頃の構図の切り取り方（当時はもっとごみごみした部分を描いていたのだが）を自分のスタイルとして残している。

近年は建築物そのものよりも、普段の生活で目にする（有名な場所ではない）普通の街角を絵にしたいと思うようになった。生活感のある町並みや商店街、田舎ののどかな光景など、絵になる風景はどこにでもある。写真映えしない（もちろん撮影する人によっては素敵な写真になるのかもしれないが）景色であっても、絵にする時にどれだけ芸術的に雰囲気を醸し出せるか、そこに画家の腕がかかっているのかもしれない。
そのような、ある意味チャレンジで初めて描いた街角の絵は、ごみごみした商店街の雨の夕暮れ時で、とても苦労したのを覚えている。出来が良いのか悪いのか分からないまま展示したところ、なぜか見る人にノスタルジーを感じさせたようで、買ってくれる人まで現れた。
見る人の琴線に触れるかどうか。それは難しい課題だけれど、とにかく自分のスタイルで風景を描く。これからも挑戦が続く。

私が普段使っている水彩の道具を紹介します。

・絵具…色は18色。黒と白は使わないが、ハイライトとして入れる白だけはアクリル絵具。
　私は風景画を描くので、自然の色を多く使用するため茶・青・緑が豊富。
詳しい絵具についてはコチラ
　

・筆…平筆と丸筆、それぞれ大中小とあればいい。特にこだわりのメーカーはないが、数千円するものもあるので、買うときは値段をチェックしたほうが良い。
私は比較的硬めの筆が使いやすいと思う。子供の絵具セットはやたら柔らかい筆が多く、非常に使い勝手が悪いので、娘が夏休みの絵を描くときは筆だけは貸してあげている。

・パレット…スケッチに出かけるときに持ち運びやすいよう100均の手のひらサイズを使っていたが、色を入れる小さいスペースが12個しかないので、上にあげた色全部が入らないので、青い絵具を4種類ぐらい新規導入したのを機に大きめのパレットを購入。1500円くらいだったように記憶している。
近頃の水彩絵の具は質が良いので、固まっても水で溶かせばすぐに使える状態になる。そのため、私はほとんどパレットを洗うことがない。混色する大きいスペースも、なんとなく赤系・緑系・茶系・青系を作る場所として自分で決めているだけである。

・筆洗…100均の3個が重なるタイプを愛用している。筆に水を含ませる・筆を洗うだけのものなので、なんでもいいと思う。持ち運び用に蓋のついた瓶を使う人も多い。

・紙…道具にはあまりこだわりがない私だが、水彩用紙だけはこだわりがある。と言ってもアメリカで水彩を始めたころの近隣の画材店にはカンソンのストラスモアかアルシュの2種類しかなかったので、初めはストラスモア、上達したら高価なアルシュを使うようになった。
日本に帰国したら水彩用紙の種類が豊富なことに驚いた。全部の種類を使ってみたわけではないが、今はアルシュの緑色の表紙のものとウォーターフォードの紺色の表紙のもの、ブロック型で300g／㎡の厚さで荒目か中目を使用している。大きさはSMサイズからF4、F６、F8など。

・鉛筆…下書き用で基本的に何でもいいのだが、三菱鉛筆のBを使用。

・消しゴム…こちらもなんでもいいのだが、MONOのよく消える消しゴムを使用。

・カッターナイフ…鉛筆を削るため。荒目だと結構鉛筆の減りが早いから鉛筆削りを使っていない。時々は画用紙の表面を削って白い線を入れるのにも使用。

・定規…15センチくらい。建物や遠近法の下書き用。

・ペン…サクラ製のピグマで太さは0.5か0.4。基本は黒。セピアもある。

・水筆…野外スケッチ用で短時間に着色したいときは水筆が便利。時々立ったままSMサイズにささっとスケッチしてなんとなく色づけし下絵として使うこともある。
マスキング液を塗るのに専用の水筆も作った。

・ティッシュかキッチンペーパー…水分を拭き取ったり、消す時に使う。

・マスキング液…波や川を描くときの水の泡や細い線など白抜きしたいときに使う。【ホルベイン】のマスキングインク466を使用。

・塩…水たっぷりのウェットな状態で色を塗り、上から岩塩を降りかけると味のある模様ができる。

・霧吹き…ウェットな画面を作るときなどに使用。100均の手のひらサイズのボトルを使用。

・メンバーズカードのような硬めのカード…ウェットな状態でカードの角で引っ掻くようにして木目などを表現するのに使用。

・ペインティングナイフ…油絵を描いていたころに使用していたナイフだが、ブロック型の用紙を、絵が完成したら1枚はぎとるのに使用。

いろいろな水彩絵具

画材屋さんに行くと、水彩絵具もいろいろなメーカーのものが並んでいて、どれがいいのか戸惑うことも多いだろう。有名なところではウィンザー＆ニュートン、ホルベイン、クサカベなどがあり、透明水彩／不透明水彩、四角い固形のもの／大小のチューブ入りなどがずらりと並ぶ。よく見ると、色によって値段が違う。これは色を作り出す原材料の違いであり、高ければ良いというわけではない。
私が使っているチューブ入りの絵具は以下のメーカー。黒と白は使わない主義。
【ウィンザー&ニュートン】2008年にアメリカで水彩画を始めた時にセットで購入したのがウィンザー&ニュートン製コットマンウォーターカラーズのシリーズ。何本セットだったか覚えていないが、必要な色を追加し、使い切ったら補充しているものの、未だにアメリカ時代のウィンザー&ニュートンで事足りている色が多い。もう10年以上経っているのに、チューブの中で固まることもなく、最近の絵具は素晴しい。
【ホルベイン】日本でウィンザー&ニュートンは固形タイプしか見たことがない上、かなり高価なので、足りなくなった（＝よく使う）青と緑色はホルベインのチューブを補充している。

よく使う色とそうでもない色

風景画を描く私にとって、古くからある日本の家屋、自然の山々、そして影色を表現する際に、これらの色の微妙な配合の違いで気に入った色合いを作り出すので、最も使う頻度が高い。ともすれば暗―い絵になるのも分かる…？

アメリカの水彩画教室のスタイルを真似てみた

私が夫の海外赴任に帯同してアメリカ西海岸に渡ったのは2007年。子供たちは1歳と3歳で慣れない地での子育ては大変だった。
その中で子供たちがプリスクールに行っている間の大人の習い事タイムはリフレッシュできるかけがえのない時間。英語と料理とエクササイズなどに通ったが、一番長く続いたのは水彩画。
リタイア後の白人が多いこのクラスでは、課題の絵を転写して下書きとし、先生のケイトが何回かに分けてデモンストレーションを見せ、生徒は皆で同じ絵を描きながらテクニックを身に着けていくというスタイルだった。1枚の絵が完成するには2回のクラスをまたぐので、およそ5時間かかる。混色・ぼかしの技法や、マスキング・海綿・塩・ラップを使ったテクニックなど、多くのことをここで学んだ。
このやり方だとみんなが同じ絵を描くのだが、出来上がりは個性が出てユニーク。構図やデッサンもしっかりしているため完成したときの満足度も高い。私が、日本でもこのスタイルを採用しようと思ったのはそのためだ。

アメリカらしさ

教室のスタイルとは別に、アメリカで習った水彩画の記憶は私の中で「アメリカらしさ」として刻み込まれている。それは色の鮮やかさ。
日本に帰国して初めて行った水彩サークルでは色の淡さが気になった。水彩は薄く淡く塗るという決まりがあるのか？と思うほど。
かつてアメリカで描いた作品も個展の末席に並べたところ、意外とウケが良かったこともあり、明るい絵・鮮やかな色彩というのは、常に私の作品づくりの信条である。